Jessica Lipsky y el Museo de la Ciudad de Nueva York narran las figuras clave y la importancia perdurable del género musical panlatino
La salsa es más que música. Un movimiento nacido en el extranjero y nutrido por comunidades de inmigrantes en el corazón de la ciudad de Nueva York, la música animada, de percusión e impulsada por trompetas combinó ritmos latinos y afrocaribeños para crear el primer género musical panlatino que reflejaba a las personas que tocaban, disfrutaban y bailaba a sus ritmos.
“La salsa nunca fue realmente pura porque siempre combinaba muchos sonidos diferentes. Le decían salsa, pero [artistas como] Willie Colón, que trabajó con Héctor Lavoe, hacían música para los puertorriqueños. Otros músicos se enfocaron en los sonidos cubanos”, dijo el Dr. Derrick León Washington, becario curatorial postdoctoral que desarrolló Rhythm & Power: Salsa en Nueva York , una exhibición en el Museo de la Ciudad de Nueva York. “Los músicos escuchaban otros tipos de música: boogaloo y R&B a finales de los 60, soul en inglés y disco en los 70”.
Grandes sellos discográficos como Fania, y los artistas que firmaron con ellos, tomaron esas influencias y se enfocaron en hacer música en español pero sin apuntar a ninguna cultura en particular. La naturaleza inclusiva de la música salsa creó un inmenso poder social y orgullo entre sus oyentes, quienes utilizaron la salsa como trampolín para el activismo.
“La salsa cuenta la complejidad de los puertorriqueños, los latinos, la gente de color, lo bueno, lo malo y todo lo demás”, dijo Washington. “[La música de salsa mostró] un orgullo en la gente, no es que fueran mejores que cualquier grupo étnico, sino casi una redistribución del poder de una mejor manera para todos que demostraron que no son solo un problema o una minoría, sino igual de buenos. como todos los demás».
En Rhythm & Power, el equipo curatorial de MCNY utiliza fotografías de conciertos, efímeros, videos y carátulas de álbumes para mostrar una cultura de Nueva York cuyas influencias han tocado el mundo. Aquí, el museo comparte imágenes seleccionadas que muestran cómo la música salsa influyó en el activismo en la ciudad de Nueva York de la década de 1970, así como la cultura de baile única que continúa definiendo el género en la actualidad.
Fotografías de Frank Bauman para LOOK Magazine
El estilo específico de baile de salsa de Nueva York tiene sus raíces en la moda de los bailes latinos de principios de la década de 1960, incluidos el mambo, la charanga y la pachanga. Foto: Museo de la Ciudad de Nueva York, Colección LOOK / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Chico Álvarez y el Museo de la Ciudad de Nueva York
“Lo que es diferente de la salsa de Nueva York es realmente el reenvío de trompetas y trombones. Los trombones y los cuernos imitan lo que sucede afuera en la ciudad de Nueva York”, dijo Washington. “No es suave como otros tipos de música caribeña”. Foto: Cortesía de Chico Álvarez y el Museo de la Ciudad de Nueva York / Texto: Jessica Lipsky
de Margaret Puente y el Museo de la Ciudad de Nueva York
dijo Washington. “Comenzó principalmente en la clase trabajadora o en los barrios pobres como una voz de la gente y se extendió, como realmente popular y una gran fuente de ingresos y un [sonido] global”. Foto: Cortesía de Margaret Puente y el Museo de la Ciudad de Nueva York / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Edward Palmieri
Existe controversia sobre qué es la salsa y dónde comenzó: en Puerto Rico o en Cuba. “Argumento que la salsa es una industria, una gran industria que comenzó durante la locura del mambo en la década de 1950”, dijo Washington. El líder de la banda, Eddie Palmieri , creó sonidos latinos más pesados y bailables a principios de los años 60 al reemplazar los violines con trombones, que luego influirían en la salsa.
Sin embargo, Palmieri ha llamado a la salsa un “nombre inapropiado y una falta de respeto” a los diferentes patrones rítmicos. “Hay que empezar por la rumba. De ahí sale el yambú. Tienes guaracha, mambo, cha-cha-cha. Todos tienen sus nombres propios”, dijo Palmieri. Foto: Cortesía de Edward Palmieri / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Marlis Momber La
salsa irrumpió en las calles y clubes de Nueva York en los años 70, una época en la que la ciudad se enfrentaba a la bancarrota, el crimen se disparaba y muchos trabajadores y de bajos ingresos Los barrios de clase estaban bajo asedio social y económico. En El Barrio, el South Bronx y el Lower East Side, lugares con una gran población latina y donde vivían muchos músicos, la exuberancia de la música salsa sirvió como banda sonora para el activismo y la reivindicación. Foto: Marlis Momber / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Lee Marshall y Pablo E. Yglesias
Si bien la salsa puede considerarse simplemente como música de baile, sus músicos y letras hablan de las realidades de la vida diaria. El conguero Ray Barretto (cuya influencia se puede sentir tanto en el boogaloo y el jazz como en la salsa) fue el director musical de Fania All-Stars, un grupo de salsa integrado por Joe Bataan, Willie Colón, Mongo Santamaría, Pete “El Conde” Rodríguez y otros. . Fue uno de los muchos artistas de salsa que tomó una postura política en su música.
“Ray Barretto es un activista que se enfoca en la sociología, lo que está pasando en la ciudad de Nueva York, por qué hay drogas y tanta violencia”, dijo Washington. “’La Gran Fuga’ [del trombonista y cantante] Willie Colón es una imagen del FBI en la portada. Es una especie de broma, hacerse pasar por un tipo malo, pero también resonó con la gente cuando la ciudad de Nueva York estaba a punto de declararse en bancarrota”. Foto: Lee Marshall / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Máximo Colón
La salsa saltó a la fama junto con el surgimiento del Black Arts Movement , el movimiento Nuyorican y el grupo activista/nacionalista puertorriqueño Young Lords. “Lo que realmente me interesa de esa época y se relaciona con la exposición… es la narrativa general de los puertorriqueños como pobres, como delincuentes. También es la idea del orgullo, que eran como eran”, dijo Washington. Foto: Máximo Colón / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Marcela McGreal
“Cuando los medios de comunicación y las exhibiciones solo hablan de la pobreza y la inmigración en relación con la comunidad latina, esto no habla de las experiencias múltiples y completas de esta comunidad de comunidades que se cruzan”, dijo Washington. “Estamos cansados de estas narrativas únicas”. Foto: Marcela McGreal / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Celia Cruz Legacy Project (Omer Pardillo Cid, Executor) y el Museo de la Ciudad de Nueva York
La potencia vocal cubana ganadora del Grammy Celia Cruz fue la reina de salsa, produciendo 23 discos de oro durante su carrera y recibiendo una Medalla Nacional de las Artes. Grabó ocho discos para Tico Records con Tito Puente, tres discos con Willie Colón y fue integrante de Fania All-Stars. Tenía una voz operística, un estilo rítmico, un don para la improvisación y una colorida presencia en el escenario. Cruz era conocido por usar pelucas enormes y una sucesión de zapatos de tacón coloridos y únicos. Era singular en más de un sentido.
“No había muchas cantantes femeninas pero sí muchos cantantes masculinos. Lo demuestro con un cartel de la Fania que dice ‘La salsa es el rey’. [En él] hay todos los músicos sentados, con hermosas mujeres de pie”, dijo Washington. “Estos eran muchachos del barrio, todos muchachos de clase trabajadora, ahora están en trajes de tres piezas. Todos tenemos que ser honestos con la historia de cómo se comercializaba y se comercializaba la salsa”. Foto: Museo de la Ciudad de Nueva York / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Edward Palmieri y el Museo de la Ciudad de Nueva York
Por no hablar de sus músicos extremadamente talentosos, las intensas campañas de marketing ayudaron a definir el género y obtuvieron el primeros Grammys de la música salsa. Compañías discográficas como Fania sacaron música influyente que fue ampliamente distribuida y finalmente aceptada por artistas convencionales no latinos como Stevie Wonder, cuyo éxito de 1973 «Don’t You Worry ‘bout a Thing» incluye ritmos cubanos. Sin embargo, siguiendo la tradición de muchos géneros emergentes, hubo tensión entre las discográficas y los artistas.
“Es muy complejo, en algunos casos [los artistas] podrían haber sido explotados. Por otro lado, con Fania Records y algunas otras compañías, dirían que los artistas nunca leen los contratos”, dijo Washington. “Había algunas compañías como Alegre Records que sacaban buena música y la idea no era ganar mucho dinero. Fania sacó buenos discos que no dieron dinero y compartió diferentes tipos de música; también llamaban ‘salsa’ a mucha música que no lo era”. Foto: Museo de la Ciudad de Nueva York / Texto: Jessica Lipsky
y el Museo de la Ciudad de Nueva York
la gente vive”, dijo Washington sobre su exhibición llena de movimiento. “A través del poder de la danza, la gente desafía los sistemas políticos, la pobreza”. Foto: Robert Iulo / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Margaret Puente y el Museo de la Ciudad de Nueva York
El baile de salsa de Nueva York es un estilo propio, iniciado por Eddie Torres en el club nocturno Corso en East 86th Street e inspirado en la música de Tito Puente. Los bailarines de salsa de Nueva York hacen sus movimientos en el segundo tiempo (también llamado “Salsa On Two”), y la mujer comienza avanzando. Torres, quien todavía enseña y ha inspirado a muchos otros instructores de salsa, contrasta su estilo con la salsa al estilo de Los Ángeles, que comienza en el primer conteo. Foto: Museo de la Ciudad de Nueva York / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de José “Yogui” Rosario y Pablo E. Yglesias
Cuando Eddie Torres comenzó a codificar su estilo, miró hacia el baile de salón y le dio nombres a diferentes movimientos. Tratar de “sofisticar” el estilo callejero puede ser problemático, señaló Washington, porque los bailarines de Nueva York tienen muchas influencias regionales e históricas: “Nunca podemos decir cómo bailamos salsa en la ciudad de Nueva York. Ningún otro país está bailando como nosotros porque hay muchas otras influencias, desde Puerto Rico hasta Broadway”. Foto: José “Yogui” Rosario / Texto: Jessica Lipsky
Cortesía de Hazel Hankin
Siguiendo la evolución de la “salsa dura” de los años 70 hacia las orquestaciones más suaves y lentas de la “salsa romántica” de los años 80 y 90, la cultura de la salsa de hoy se centra en bandas reunidas y música grabada que mezcla salsa dura con merengue y bachata. A nivel local, hay un gran mercado para clases de salsa, eventos sociales y bailes de salón. En todo el mundo, muchos países latinos han desarrollado su propia afinidad por la música.
“Eran en su mayoría cubanos antes del surgimiento de la Revolución Cubana, y luego puertorriqueños después del embargo. Ahora la gente de Colombia, Ecuador [tiene escenas de salsa]. La salsa es la voz de diferentes etnias latinas; otra música no es esa voz”, dijo Washington. Foto: Hazel Hankin / Texto: Jessica Lipsky
